The Suicide Squad: Sangre, violencia y color

 Ya una vez nos habían intentado mostrar a este equipo de desadaptados sociales salvando al mundo de un mal más grande,y habían fracasado por la falta de cohesión y una edición pésima. Esta vez, y dirigida por una de las primadonnas de Marvel, James Gunn, esta nueva versión del Escuadrón Suicida consigue con la misma dosis de sarcasmo, con mucha más sangre, visualmente superior y sobre todo fácil de disfrutar. 

Gunn tiene éxito aprovechando a un equipo de personajes dentro de una historia que nunca acaba de tomarse en serio.Comenzás a ver la película y sabés que se trata de dos horas de acción, comedia y efectos visuales, sin demasiado contenido. No hay un crecimiento de personajes, no hay moraleja, no hay nada. Hay, eso si, mucho entretenimiento. Y hablando de lo que si se sobreanaliza la película podemos encontrar, hay muuucho subtexto. 

La historia nos habla de un país latinoamericano empobrecido, bajo el régimen de una dictadura que recién ha derrocado a la anterior, y que, en alguna forma le genera problemas a los Estados Unidos, por lo que deciden intervenir en aras de conseguir el control de un extraño proyecto secreto en la isla. A todas luces la inspiración grita "Cuba" por todo lo alto. Luego descubrimos que los mismos Estados Unidos tenían participación en el ultra secreto proyecto que busca volver un arma a una entidad alienígena, a la cual puedan controlar para sus oscuros objetivos. 

Desde el principio sabemos que la película es un completo chiste del humor más negro, cuando conocemos la existencia del equipo A y el equipo B, uno de los cuales ha sido lanzado a la pelea únicamente como una distracción. 

Definitivamente,y amén de las diferencias con las personalidades de los personajes con sus contrapartes del cómic, es un proyecto mucho más logrado que Suicide Squad en su iteración anterior. Los personajes son en general planos pero funcionan para las acciones que requiere la película para ir adelante, a excepción de los personajes con mayor tiempo en pantalla y con una historia que entretiene y nos hace conocerlos más, como Ratcatcher y Peacemaker, que básicamente engloba la visión de los Estados Unidos para el mundo. 

En fin, entretenida hasta donde puede, con acción interesante muy bien ejecutada, recomiendo desconectarse de la vida dos horas y que vean The Suicide Squad, disponible en HBOMax. 

The Suicide Squad: 6.5/10

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How it ends: reencontrarse en el apocalipsis

Zoey Lister Jones produce, escribe, dirige y protagoniza esta serie de pequeños actos que tienen como trasfondo el fin del mundo, en que, a pesar de tratarse de una historia de apocalipsis, nos hace enfocarnos en el reencuentro personal, en la búsqueda de respuestas cuando ya no cabe tiempo de hacerse más preguntas. 

Y definitivamente, hay historias apocalípticas mucho más intensas, pero eso no le resta un ápice a la creatividad de esta historia, con una premisa muy compleja e interesante. 

Conocemos la historia de Liza, una chica en sus 30, que enfrenta en soledad el fin del mundo, mientras todos lo afrontan tratando de disfrutar sus últimas horas, drogándose o ahogándose en recuerdos. 

Con esa premisa de fondo, Liza, acompañada de su yo juvenil interpretado por la genial Cailee Spaeny, busca encontrar un final hedonista, y en el camino se da cuenta que debe cerrar muchos círculos, buscando a sus padres, a sus anteriores parejas sentimentales, y a todo aquel con quien sienta que debe dejar las cosas en paz. Vemos infinidad de cameos que solo añaden a la película, como Olivia Wilde, Charlie Day, y una secuencia bellísima con Sharon Van Etten, con un pequeño número musical incluido en el que vemos que existe rango en las protagonistas. 

Puede que el argumento tenga fallas al sentirse bastante fragmentado para el avance de la trama, perdiendo cohesión, y por un momento hacernos pensar que al final nada de lo que sucede antes de llegar al final tiene sentido, aunque finalmente lo hace, pero eso no le resta a la creatividad. Creo que muchas veces este tipo de producciones ganan por su honestidad. Son historias sinceras que no requieren seguir y cumplir todas las reglas del libro para hacerte sentir algo, y ese algo en esta película es la búsqueda de la aceptación de sí mismo y el perdón de sí mismo. De pensar que puede que estés en el final de tu vida y necesités reafirmarte: You do count. 

Recomiendo How it ends, una de las sensaciones en Sundance, producida por MGM antes de su compra por Amazon, aunque parezca aburrida o que no lleva la trama a ningún lado. Piénsenla como un ejercicio de comedia dramática con mucha inventiva. 

Estoy muy dispuesto a ver una nueva producción de Zoey Lister Jones. Sin duda. 

How it ends: 6.5/10. 

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Space Jam: A new legacy, tan innecesaria como olvidable

 Cada cierto tiempo nos toca un remake que nadie pidió, y que parece solo confirmar que la industria ama demasiado el reciclaje de ideas. Y claro, es atacar directamente nuestra nostalgia, pero no es como que la película de la que se hace el remake, en este caso, haya sido tan genial tampoco. 

La película lo sabe y se burla de eso. Space Jam es una idea terrible, que llegó a producción porque funciona como un enorme comercial de productos de Warner, y como un gran esfuerzo de relaciones públicas para un Lebron James que vive intentando que su papel en la historia del baloncesto deje de estar un peldaño abajo de Michael Jordan, lo que en esta historia, no consigue ni de lejos. 

Y es que las actuaciones en esta película son en general muy malas, incluso un terrible papel para Don Cheadle, un actor nominado al Oscar que se ve reducido a un villano patético y olvidable, y cameos que resultan apenas graciosos. Por otro lado, Lebron James demostró que como actor es un gran jugador de baloncesto. Poco más.

En cuanto al argumento, es más que obvio que a la hora de llevar a tu familia a ver la Space Jam 2, viene siendo lo de menos, y aún, se esfuerzan de forma simplona hacerlo parecer como una película que te hará enfocarte en la importancia de la familia, de escuchar y entender. Pero eso en general funciona durante unos minutos. El resto se resuelve como este tipo de películas. Las familias se unen, todos aprenden que se equivocan y son felices al final. Todo dentro de una fórmula fácil. No hay nada ni interesante ni nuevo. Nunca volvería a ver esta película. 

Sin embargo, hay un pequeño resquicio, un pequeño detalle destacable. Y es el arco dramático que le dan a la historia de Bugs como líder de los Looney Tunes. Nos muestran un mundo, el Mediaverse, en que se conjugan todas las propiedades de Warner, vemos el mundo de DC, el mundo Matrix, el mundo Harry Potter, etc, y todos los amigos de Bugs han abandonado el Tunes world con la oferta de recrear nuevas historias en diferentes mundos. Bugs es el único que se ha quedado en el mundo Tunes. Y es esa, la búsqueda por reunirse de nuevo con sus amigos lo que le da sentido a la película, mucho más allá de la historia del juego de baloncesto más aburrido de la historia. 

En fin, sin mucho más que verle de positivo a la película, más allá de esa parte del guion, el trabajo en la animación y nada más, esta película debe verse para desperdiciar dos horas. 

Space Jam 2: A new legacy: 5/10. 

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Pig, la búsqueda de Nicolas Cage por un propósito

 La carrera de Nicolas Cage está plagada de fracasos y de proyectos extraños, pero últimamente estamos viendo una seguidilla de proyectos interesantes que de alguna manera explotan el talento de Cage para personajes que afrontan traumas del pasado. Pig, es uno de esos proyectos. 

Pig es una historia que pinta sencilla. Un viejo chef retirado, que perdió a su esposa y vive en forma casi ermitaña, se gana la vida recolectando y vendiendo trufas a un joven, interpretado por Alex Wolff que las ofrece a restaurantes en los que se preparan platillos de alta cocina, y para ello, tiene como única posesión, y quizás único amigo, a su pequeño cerdo. La forma en que se desencadena la trama es cuando su necesario y querido cerdo buscatrufas es robado, y Rob, el personaje de Cage, se embarca en una búsqueda a lo Taken, para encontrar su cerdo robado y hacer pagar a quienes se lo robaron. 

Pero esta no es esa historia y nada más. El subtexto es mucho más profundo, mostrándonos a un Rob que aún sufre la pérdida de su esposa, y la salida de su mundo como chef, haciendo lo que amaba. Es un caso de duelo, y superación, de búsqueda interna y de aceptación de las circunstancias. 

Es la honestidad, crudeza emocional, y sinceridad, la que logra que esta pequeña película nos haga empatizar con Rob, y eso se debe en parte a la actuación contenida y directa de Cage, pero también al ritmo que va generando la dirección de Michael Sarnoski, en este su debut. 

Definitivamente Pig no es la película sencilla que podríamos esperar. Hay un enorme cuidado en el detalle a la hora de mostrar platillos, el styling y la producción artística está en su punto. Y en los créditos me pareció incluso un justo y merecido reconocimiento, que se agregara el chef que preparó cada platillo. 

Recomiendo Pig, déjense sorprender, libérense del prejuicio y piensen en lo que cada uno llevamos dentro y no dejamos salir porque estamos atrapados sin superar lo que nos está lastimando el alma. Sean como Rob. 

Pig: 7/10 en un sólido y emocional debut de Sarnoski, y gracias a la que es probablemente la mejor actuación en años para Nicolas Cage.

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A quiet place II, menos silenciosa, menos efectiva

 Recuerdo cuando vi A Quiet Place, una refrescante perspectiva del clásico conflicto de la invasión alienígena, contada desde un punto de vista cerrado y enfocado en una familia, y como enfrentaban la nueva realidad, huyendo de estos alienígenas que no te pueden ver pero pueden escucharte para detectarte. En ese momento me pareció un ejercicio muy bueno, con notas intensas y una gran dirección. Por supuesto, entonces tampoco me pareció que fuese a necesitarse una secuela. La historia es autocontenida y el conflicto, si bien no se resuelve definitivamente, hace crecer y desarrollar los personajes. ¿Qué podría traer una secuela? 

Pues, para comenzar, comprendamos que la segunda parte funciona como ambos precuela y secuela. Esta vez apreciamos el momento de la llegada del invasor, y las consecuencias de lo que vimos al final de la primera parte, manteniendo la intensidad, y añadiendo a las actuaciones, un muy efectivo Cillian Murphy. 

La historia logra funcionar de la misma manera que la anterior, generándonos preocupación por los personajes y la incertidumbre sobre sus destinos, que se mantiene hasta sus últimos minutos de forma electrizante.

La cinematografía funciona a la perfección y el trabajo de edición en el sonido vuelve a dar la nota, con lo que representa en la historia, volviéndose un elemento determinante, al igual que la fantástica banda sonora de Marco Beltrami.

Si hay algo que aun me deja la sensación que pudo ser mejor, y es por lo que siento que está una barra abajo en la efectividad, es que, dada la situación de la pérdida de novedad de las criaturas invasoras, necesitábamos más que nos mantuviera atraídos, y lo que recibimos fue una leve adición en la imagen de los sobrevivientes que se han adaptado a vivir en huída, y el hecho que hay decisiones que, dadas las circunstancias que nos plantea la película, no tienen demasiado sentido, caso contrario a su primera parte.

Con lo que nos muestran en los minutos finales, aún es posible que obtengamos una parte 3, aunque, de nuevo, y como lo menciono sobre la primera parte, se me hace muy innecesaria, mostraría un auténtico desenlace. 

En fin, recomiendo que la vean, pero vean antes la primera parte para que vean todas las perspectivas. 

Búsquenla pronto en HBOMAX

A quiet place II : 7/10

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Black Widow, muy poco, muy tarde

 Hace unos años, Warner dio en el clavo con una historia inspiradora sin llegar a niveles evangelizadores, con la primera película de súperhéroes protagonizada por una heroína de primera línea. Wonder Woman abrió el camino a una gama de héroes para poder presentarse en películas con un éxito aceptable. Sin el éxito de Wonder Woman, habría sido mucho más difícil que Disney se hubiese animado a producir más líneas argumentales para personajes femeninos bien construídos, con secuencias que se volverían icónicas en el cine de este género. Sin embargo, han pasado 4 años y una pandemia entre el estreno de la refrescante aunque imperfecta Wonder Woman, y la aceptable pero intrascendente Black Widow. Y no, la película no es mala, es solo que no marca casi nada en el Universo Cinematográfico de Marvel. Lo rescatable es conocer una historia detrás del personaje, y es algo con lo que podrían rescatar a cualquier personaje que ya se ha despedido del Universo. Podríamos preguntarnos lo que pasaba entre películas o antes de ellas, con personajes que ya están establecidos. Y esa es la virtud de Black Widow, y su falla, puesto que no ocasiona ninguna alteración en la línea argumental general de Marvel, aunque nos de más detalles de la vida como individuo de Natasha Romanoff. 

Scarlett Johannson hace un papel bastante contenido y decente con su personaje, mostrándonos el mosaico de emociones que le han sido arrebatadas con su crecimiento desde que la forzaron a convertirse en Black Widow. Pero sobre ella, es Florence Pugh quien da una gran actuación. Olviden su absurdo intento de imitar acento, su personaje es refrescante, interesante, y estemos seguros que nos esperan varias películas más viendo su desarrollo. 

En cuanto a la factura técnica, Disney hace un gran trabajo con la escenografía, las peleas y sus coreografías, y la dirección de arte en general. 

Hay decepciones, ciertamente, como la decepcionante revelación sobre la identidad del Taskmaster, de quién esperábamos más si hablaban a lectores de la fuente original, y que, desde ya, está ahí entre las decepciones más grandes del MCU, junto a la revelación sobre el Mandarín en Iron Man 3. 

En resumen, buenas actuaciones, buena ejecución y ritmo, pero una historia un poco endeble para ser el debut solitario de Black Widow en el cine, y el gran intento después del fiasco que resultó ser Captain Marvel.

Black Widow: 6.5/10.

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Luca, la aceptación de lo diferente

 La más reciente de las producciones de Pixar para Disney viene en forma de una entrañable amistad de dos niños en las costas italianas de los años 50's, que bien podría haber sido una reinvención de La Sirenita, que podría pasar sin pena ni gloria como la mayoría de sus adaptaciones, pero en este caso, el fantástico storytelling, y la perfecta creación y desarrollo de personajes que hace la gente de Disney/Pixar logran el efecto deseado. 

En Luca, el protagonista homónimo, Luca, es un joven tritón que vive en lo único que conoce, la tranquilidad y paz de su monótono trabajo pastoreando un rebaño/cardumen en la riviera italiana, mientras escucha las terroríficas historias de su familia sobre lo que hay en la superficie, y porqué no debe acercarse, generando, como en todo joven, más curiosidad que miedo. Y es así que esta historia se vuelve una de descubrimiento y reconocimiento de lo diferente. 

Luca descubre casi por accidente, que al salir del mar, se transforma en un niño como cualquiera de la superficie, y es ahí donde conoce a Alberto, quien se vuelve su primer amigo, de esos que llevas toda la vida. Juntos, intentarán conocer el mundo y saltar, casi literalmente, del pequeño estanque que era el mar, a conocer ese enorme mar desconocido que resulta ser la superficie, el mundo, lo desconocido. Por supuesto, no sin causar un enorme revuelo en el pueblecito pesquero en el que se unen a una competencia, con el fin de comprar la maravillosa Vespa que los llevará a recorrer el mundo . 

Conocerán amigos, villanos, y un pueblo que se tomara un tiempo en conocerlos, y aceptarlos, en lo que bien vendría como moraleja de la historia. Podemos ser diferentes, pero eso debe unirnos en lugar de separarnos. 

La música es muy buena, y la animación, maravillosa como siempre. Sin embargo, es definitivamente en el campo de la narrativa en que Luca resulta ser un éxito. 

No es en definitiva lo mejor de Pixar, puesto que hay fórmulas prehechas, como la búsqueda de aceptación, la transformación, etc, pero si triunfa en la ejecución de dichas fórmulas. 

Luca: 7.5/10.

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Nuevo Orden, o la lucha de clases vista desde lejos

 Comencé a ver esta película de Michel Franco, por sus menciones en el Festival de Venecia del 2020, y por las opiniones sobre su temática política un tanto intensa para la actual situación del mundo. Y resulté quizás un poco decepcionado. 

Y es que, si bien Franco consigue armar una interesante historia, hilarla bien y desarrollar una atmósfera siniestra y al mismo tiempo que distópica, cercana, su problema está en la forma de tomar el conflicto principal, reduciéndolo de forma superficial, como quien voltea hacia el otro lado en lugar de llegar al meollo, a la motivación. Porque a la película no le interesa la motivación, le interesa el valor del shock que puede ocasionar en el espectador, lo cuál, dicho sea de paso, consigue fácilmente, con escenas que a veces poco contribuyen al desarrollo de la historia. 

Para ser igual de reduccionistas que logra ser esta película, puedo resumir en la visión somera sobre la lucha de clases en el México de un futuro cercano. Vemos el contraste entre la felicidad de una familia privilegiada, con sus invitados ricos en un barrio lujoso de México, mientras en las afueras, una rebelión de las clases empobrecidas parece ir cobrando fuerza mientras los ricos deciden ignorarla, porque, ¿cuándo ha sido un peligro real para ellos? Pues, esta vez la rebelión los alcanza, y la avalancha de la clase obrera, los ricos son asesinados, robados, humillados, y todo es mostrado sin contemplaciones. En algún momento ves la película y decís, "pobres millonarios", y es lo que se obtiene al no dar voz a las motivaciones, volviendo a los pobres una masa furibunda, vengativa y sin razonamientos.

 

Luego, conocemos como los ricos se trasladan a lugares más privados, mientras la situación de las rebeliones da pie a la distopía mexicana, y se comienza a establecer un gobierno militar que toma el control de todo mientras aprovecha para el pillaje de los ricos, que los sostienen y sostendrán, y el abuso sobre los pobres, que como es costumbre, resultan ser los más afectados. 

Si hay algo que es positivo a mencionar, es la facilidad con que el guión se desarrolla, y el atrapante ritmo que desencadena las situaciones sin dar lugar a un segundo de aburrimiento, en eso precisamente, Franco ha tenido éxito. 

En general, esta historia, en forma de cuento de advertencia sobre los peligros de un estado controlado por grupos político-militares funcionaría mejor si se le agregaran 15 minutos de contexto político social de todas las clases, y no se abusara de la perspectiva de los millonarios, y es por eso, que Nuevo Orden pasa de ser un intento burdo de emular la visión de Parasite,y queda en un ensayo demasiado edulcorado de la realidad social latinoamericana. 

Nuevo Orden, disponible en Amazon Prime: 6/10

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Tengo miedo, torero.

El cine funciona más cuando logra sintetizar momentos, sensaciones y personajes que los trascienden. El cine latinoamericano busca normalmente acoplarse a esos puntos para sobresalir, ahí donde los millonarios presupuestos no llegan. Con Tengo miedo torero, lo que podría ser el testamento del inmenso talento de Pedro Lemebel, se vuelve un emotivo y honesto viaje en el tiempo a la década de los 80 en el Chile bajo la dictadura de Pinochet, en un momento en que el contexto socio político exigía un compromiso inmenso, y de la misma forma un compromiso interno, con la persona que sos y lo que sentís. 

Alfredo Castro hace un papel enorme como el protagónico inesperado, que se ve envuelto en un dilema político-amoroso, que realmente cuándo no es la misma cosa? De esta forma, conocemos la vida y el contexto social en que la desarrolla el homosexual marginado por la sociedad, y utilizado por la gente con poder. Y lo vemos participar de uno de los momentos más críticos dentro de los años finales de la dictadura.

Cuando los personajes son tan fuertes e importantes, mucho del tema visual pasa desapercibido, y eso solo refuerza la portentosa dirección y la fina adaptación de la novela de Lemebel. Aunque hay segmentos que son ignorados para potenciar el retrato íntimo de los personajes, no le resta la inmersión en la coyuntura chilena nunca. 

El diseño de producción logra mostrar la forma de vida de la protagonista, y sus penurias, y sin embargo siempre es un personaje lleno de dignidad y amor. 

Desde la primera escena te logran atrapar y contextualizar al personaje. 

Como un excelente filme de contenido social, puedo recomendar Tengo miedo torero, de Rodrigo Sepúlveda, una película en que lo inesperado lleva a lo urgente, y donde el amor se esconde en el compromiso. 

Tengo miedo torero: 7/10

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Cruella, y la reimaginación del mal

 Disney tiene ya varios años de estar intentando producir películas sobre personajes de sus producciones animadas más conocidas desde perspectivas un poco más cercanas, adaptándolas al live action, con resultados, en general, bastante ordinarios. Para mí, todo eso acaba con la reimaginación del personaje de Cruella, en el más reciente de los proyectos que estrenaron. 

Lo que fracasó en El Rey León por la falta de espíritu, lo que fracasó en Beauty and the Beast por la falta de profundidad, y lo que apenas lograron por asomo en The Jungle Book, funciona de manera milimétricamente coordinada en el estilo propio de Cruella. 

Al fantástico trabajo de fotografía, de diseño de producción, y de vestuario, se le debe sumar una perfecta actuación de la pareja de Emmas, ambas maravillosas en sus respectivos papeles, acorde a lo que deberían mostrar. 

Definitivamente es una película que recomiendo, más allá de lo que podamos hablar en contrario, como el horrendo trabajo de CGI en los perros dálmata, y de las críticas por la mezcla de Devil Wears Prada y Joker que le podría resultar a cualquiera. Y es que Emma Stone hace un extraordinario papel con un personaje que era previamente unidimensional, y le da intensidad, volviéndose casi un misterioso Banksy, una activista de la moda, que va contra el canon de forma pública, aunque en privado tenga su propio plan de venganza. 

Los personajes están bien hilvanados, la historia se desarolla de forma sencilla y cautivante, y las motivaciones quedan claras. Por más innecesario que resulte humanizar a villanos que siempre hemos creído a ciencia cierta que son malvados porque así es su naturaleza, Cruella logra rescatar y justificar la maldad que desarrollará Cruella. Seguramente en una etapa intermedia entre esta y la pasada iteración del personaje. 

Veo fácilmente a esta película con un par de nominaciones al Oscar el próximo año, entre ellas Diseño de Vestuario, Diseño de Producción, y Canción Original. 

Cruella, disponible en Disney +: 8/10

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Preparations to be together for an unknown period of time (2020)

 El cine húngaro hace uso de la ambientación para contar las historias, que son mucho más complejas e interiores de lo que parecen. Preparations to be together for an unknown period of time no es la excepción. 

La selección húngara para los Oscar 2020-2021, que también partició en la fantástica White God, de Kornel Mundrukzo, quien este año se quedó a las puertas de nominaciones al Oscar pór su producción para Netflix "Pieces of a Woman", cumple con una cerebral puesta en escena y una gestión agobiante de la narración, que nos va llevando de la frustración hasta un climax que, si bien es confuso, funciona y deja todo en el momento adecuado. 

Preparations to be together for an unknown period of time, es la historia de Marta, una neurocirujana que viaja desde los Estados Unidos a cumplir con el acuerdo que hizo con un extraño al que vio una sola vez en una convención, y del que se enamoró, lo que la hace volver a Hungría a buscarlo. Todo va bien, lo ubica y encuentra el momento del reencuentro. Pero él le dice que no la conoce, que nunca la ha visto en su vida. 

Poco a poco nos vamos adentrando en la obsesión de Marta por Janoz, y como eso trastoca su realidad, su percepción incluso de sí misma, mientras nos unimos en su búsqueda de respuestas. 

Aunque no es la mejor versión del thriller psicológico, las actuaciones y la tensión que genera la ambientación aunada al ritmo con que se desarrolla la historia logra mantenernos atentos a su conclusión.

Lili Horvat, la directora de esta película, es un talento a tomar en cuenta en el futuro cercano. 

Lo que mejor funciona, es la representación de la complejidad de la mente y la búsqueda constante de respuestas, corporizada en el personaje de Marta, que llega incluso a dudar de sus percepciones, de ella misma. 

Podría mejorar si se condensara la historia un poco o si los giros en la trama fueran mucho más honestos y justificados. Sin embargo, es un refrescante producto europeo, siempre a la vanguardia en el cine actual. 

Puntos extra para la secuencia del extraño juego similar a un ritual de apareamiento entre Marta y Janoz.

Preparations to be together for an unknown period of time:  7/10.

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El Agente Topo contra la soledad

 El cine latinoamericano sigue en forma, y con esta producción, el cine chileno aspira a dos categorías en los Oscar, Documental y Película Internacional. Y es que es muy latinoamericana la situación, totalmente representativa de nuestras sociedades y su trato hacia el adulto mayor. 

Aunque su estilo de filmación deja claro que no es un documental en el purismo del concepto, dado que utiliza reglas de ficción, El Agente Topo es un bello ensayo sobre la importancia de mantener nuestras memorias y raíces vivas. y, ¿qué es más vivo que la familia?

En esta historia recién estrenada en Netflix, Maite Alberdi nos presenta la historia de don Sergio,un octogenario contratado por una agencia de investigación privada con el objetivo de infiltrarse en un asilo para constatar las condiciones de vida y socialización de una de las internas, dadas las sospechas de la hija de la interna, de que su madre es víctima de maltratos. 

De esa forma, lo que inicia siendo una investigación profunda sobre las atenciones del hogar, acaba volviéndose una oda hacia el ocaso de la vida, hacia el rotundo efecto que tiene en los ancianos llegar a esa etapa de sus vidas, abandonados y en silencio. 

Poco a poco vamos conociendo a las personas que viven dentro del asilo, y no solo conociéndolos, humanizándolos, empatizando, conociendo sus visiones, sus vidas, sus necesidades y su soledad, tan compartida como estoicamente vivida individualmente. 

No lo voy a negar, lloré varias veces mientras veía este documental,porque se me hizo duro, cruel de ver, el estado en que alguien puede llegar al final de su vida, solo y a veces hasta sin memoria. 

Luego,casi al final cuando Sergio ha culminado su misión, y se despide de quienes fueron sus  compañeros durante 3 meses, me quebré cuando una interna le dice que es su amigo, que ella no tiene amigos,y ahora al fin tiene uno. Me dio una tristeza que aún escribiendo estas pequeñas líneas no he logrado superar. 

Es entonces este documental, no solo una investigación, ni solo una denuncia, sino también un grito que intenta salir, una voz que oculta entre el olvido dice: Estamos aquí, seguimos acá. 

Es este un film emocionalmente imprescindible, en que la línea entre ficción o un documental teledirigido se vuelve casi invisible, y que, a pesar de las dudas que llegue a generar sobre la ética de la grabación, ataca con una fuerza tan necesaria como incontestable. 

El Agente Topo: 8.5/10.

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The US vs Billie Holiday, o el ocaso de los ídolos

 Las películas biográficas pueden y muchas veces corren el riesgo, de edulcorar las vidas de los objetos de su estudio, y mostrar como superaron todo para llegar al éxito infinito. Esta película toma un camino distinto. 

Billie Holiday es una icónica artista de jazz, probablemente de las más famosas de la historia, y de las más polémicas, por lo que reconstruir una fase de su vida tan importante se antoja un trabajo titánico para el que no cualquiera está listo. y más aún tomando en cuenta su trágico final. 

Andra Day consigue diluir su persona en el papel de Billie Holiday, al que también entrega su voz y una brillante actuación en la que la fuerza del personaje cubre toda la pantalla, llenándola de autenticidad, naturalidad, y de una fuerza prodigiosa. 

Ahí donde la actuación de Day es un triunfo total, también es donde la película en general muestra sus variadas falencias, entre ellas la pérdida del enfoque. Comienza siendo una historia de reivindicación del talento afroamericano, y se desvía hacia la superación de los vicios, para concluir en la tragedia.Pero, ¿acaso no es eso la vida? un vaivén constante entre el éxito y la derrota? 

Lee Daniels vuelve a tomar una historia interesantísima,y se queda al borde de dar un producto espectacular, para dar una historia interesante que se siente a medio cocer, tanto por las fallas en su narrativa como por la falta de un estilo definido en la producción. 

Es pues, la honestidad y crudeza emocional en la interpretación de Andra Day, la que hace que esta película valga la pena. 

No se dejen llevar por el desordenado relato, sin poner sus ojos,y oídos, ante la portentosa actuación digna de nominaciones a cualquier premio, y a la cuidadosa producción artística de esta película, llena de matices sacrificados, solo recuperados por Day.

The United States vs Billie Holiday: 6.5/10.

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Little Fish, nuestras memorias, nuestro amor

 El cine de ciencia ficción suele ser lo más futurista y moderno posible para mostrarnos a veces lo oscuro de la teconología, las consecuencias éticas, etc. Pero en algunas ocasiones, entran en temas que van más hacia adentro, hacia la mente y emociones de sus personajes. Little Fish es una de esas ocasiones. 

Hace más de 15 años, Eternal sunshine of the spotless mind nos mostró la posibilidad de elegir borrar memorias para poder seguir adelante con tu vida. Olvidabas todo lo que te causó dolor, aún sin pensar si la otra persona querrá o no olvidarte. Era un drama romántico con tintes de ciencia ficción. Esta vez la pregunta que se nos hace es, ¿qué tal si no es un tema de decisión? , ¿qué tal si el olvido es una condición médica ante la cual no es posible hacer nada? ¿cómo enfrentarlo?

Little Fish responde a todas las preguntas anteriores con una historia de amor directa, sensible sin ser cursi, emocionalmente abrumadora, y que rehuye de los clichés para mostrar la angustia de conocer que el amor, a veces no será suficiente. 

Con otra vibrante actuación de Olivia Cooke, quien en su papel de Emma intenta hacer todo lo posible por ayudar a su esposo, Jude, a mantener su memoria lo más intacta posible, porque, como dice Emma, "Cómo puedo pensar en nuestro futuro si debo vivir reconstruyendo nuestro pasado". Es dolorosa, enternecedora en muchos momentos. Las actuaciones de ella y de Jack O Connel como Jude, son brillantes, e incluso las secundarias, de Soko y Raúl Castillo, la pareja de amigos de Jude, que también pasan por la misma situación, son dolorosamente necesarias. 

El uso de los flashbacks, los engaños de la edición para convencerte de la linealidad de la información que te comparten es genial. Todo se cierra de una forma impresionante. 

Esta es una película que debería tener la máxima repercusión posible. 

En tiempos de una pandemia que afecta mortalmente a tantisima gente, la sola idea de una pandemia de pérdida de memorias lo hace todo atronadoramente urgente. Te replanteás lo válido de seguir, la necesidad de la fuerza. 

Con una banda sonora preciosa, Little Fish consigue ser un retrato amargo de la impermanencia de la vida, de las emociones, que rebasa cualquier lentitud en su narración con las sensaciones que te provoca. 

Little Fish: 8.5/10. 

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Dear Comrades, la responsabilidad de la lucha

 El cine ruso suele ser contemplativo y al mismo tiempo visceral, y esta película, en la lista corta para el Oscar 2021 a Mejor Película Internacional, parece llenar ambas casillas de forma mesurada y emocionalmente contundente. 

Dear Comrades nos habla de la conciencia colectiva ante el poder, y de la fuerza de la perseverancia,cuando es necesario poco a poco dejar ir, en el entramado político de la coyuntura soviética de los sesentas. 

Filmada en un hermoso blanco y negro que no hace más que incrementar el contraste artístico con la narración que tan intervinculada está, la historia nos habla de puntos intensos de la historia de la Unión Soviética, y de las protestas y la forma institucionalizada de acallar críticas.

 Lyudmila es una burócrata y férrea comunista de una pequeña ciudad al sur de la Unión Soviética en la cual está instalada una fábrica de materia prima para transportes eléctricos, en una coyuntura en que, recién saliendo del totalitarismo más macabro y mezquino de Stalin, la economía soviética mostraba señales de afectar a la población, sobre todo en el aumento de los precios de los alimentos, que, aunado a los incrementos en la producción requerida a los empleados de la fábrica, generó suficiente descontento para protestas populares durante semanas. Svetka, la hija de Lyudmila, es una joven que, si bien cree en el ideal comunista, tiene muchas críticas a la forma en que Stalin dirigió el estado, y ahora, bajo el mando de Kruschev, confía que el ideal proletario siempre puede manifestarse libremente para obtener lo que necesita, y, de esa manera, se une a las protestas. 

Cuando el gobierno se ve sobrepasado por la ira popular, llega la ayuda del gobierno central, mediante la cual se desata un infierno para la pequeña ciudad, que pone en riesgo a todos, y genera desaparecidos, que, casi significan una sola cosa. 

La búsqueda desesperada por Svetka, sin temor a correr graves consecuencias en su carrera dentro de la burocracia gubernamental, es la base de esta historia, y como,poco a poco, Lyudmila comienza a ver más allá, y a responsabilizar su propia visión burócrata, y lo peligroso que es para aquellos que se expresan libremente. 

En una temática que quizás de forma somera recuerde el reciente hit de HBO, Chernobil, Dear Comrades habla sobre hasta donde está dispuesto a llegar un gobierno para encubrir sus deficiencias, que son naturales y que tienen formas de solucionarse, sin llegar a medios violentos o de ineptitud.

Camaradas es un término hasta sublime en los ideales, por lo que la secuencia en que Lyudmila canta su canción sobre los camaradas, se vuelve una forma de aceptación personal, de la estructura vertical de poder que ha ocasionado el problema en general. 

Poderosa actuación de Julia Vysotskaya, en su papel de Lyudmila, que nos da una mirada precautoria a lo que puede ocasionar el poder, y a la aceptación de ser un engranaje más en una maquinaria bien engrasada y que toma la decisión de no aceptar cuestionamientos. 

"If I don't believe in communism, in what am I going to believe?"

Andrei Konchalovsky hace un gran trabajo y es claramente, toda una institución en el cine europeo, y quien debería tener todo el reconocimiento posible. 

Dear Comrades, recomendada completamente, y muy posiblemente nominada al Oscar el próximo mes. 8/10.

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Judas and the black messiah, una historia de lucha y traición

 Durante la era de la lucha de los movimientos por los derechos civiles, que aglutinó a grandes colectivos afroamericanos que buscaban el reconocimiento completo de sus derechos, surgieron diversos líderes, entre ellos Martin Luther King, Malcolm X, Bobby Seale, y Fre Hampton. Curiosamente, 2020 es el año en que se han mostrado aspectos de las vidas de cada uno de ellos en diferentes películas. King, en el documental MLK /FBI, Malcolm X en One night in Miami, Bobby Seale en The Trial of the Chicago 7, y esta vez, en un pequeño aproximamiento de biopic, Fred Hampton, el líder del capítulo de Chicago de los Black Panthers.

Pero esta no es una historia de lucha simplemente, sino de infiltración y traición. 

En esta historia, dirigida por Shaka King, el nominado al Oscar Daniel Kaluuya interpreta a Hampton, demostrando la entereza y convicción que lo hacían formar parte de la lucha de las juventudes afroamericanas por un futuro, un mundo mejor para los suyos,la lucha antisistema, anti capitalismo y anti estado por parte de los jóvenes. 

La trama de esta película, que no toma en cuenta más que una fracción de la vida de Hampton, es la conspiración sencilla en que el FBI buscaba aniquilar todo liderazgo de los movimientos sociales, de una forma u otra, y como para ello se valieron de infiltrados dentro de los mismos movimientos sociales. 

Con actuaciones sensacionales de Daniel Kaluuya, que tendrá una segura nominación y estará entre los más cercanos candidatos a ganar el Oscar, y de Lakeith Stanfield, hoy por hoy uno de los mejores actores afroamericanos, y uno de los más menospreciados, y que también podría reusltar nominado, esta película confluye de forma exquisita entre la importancia de la acción y las emociones de los personajes. 

Hampton es una figura que puede ser fácilmente radicalizada, pero la película consigue hacerlo lo más cercano posible y empatizar con él, de modo que la historia va tomando tintes dramáticos. Evidentemente está basada en hechos reales. 

Estas es en esencia una de esas películas en que su argumento se convierte en un electrizante relato de la lucha contra la injusticia y los peligros que esto acarrea. Provocativa, trágica y al mismo tiempo necesaria. 

Judas and the black messiah: 8/10. 

Posibles nominaciones al Oscar: Película, Actor de Reparto, Fotografía, Canción y Montaje. 

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One night in Miami, el épico encuentro de leyendas

 En una fantástica e inolvidable noche de Febrero de 1964, en una de las eras más convulsas de los Estados Unidos, cuando la lucha por los derechos civiles, y la oposición contra la participación en el conflicto de Vietnam eran lo que estaba en boca de todo el mundo, y que repercutía en el día a día de una sociedad cansada de sus grupos de poder y de la exclusión, 4 leyendas, que casi no sabían que lo eran, se reunieron para una charla amena que en teoría sería una celebración.

Las 4 leyendas eran Cassius Clay, en la noche que venció a Sonny Liston y se convirtió en Campeón Mundial de Pesos Pesados, Sam Cooke, quien ya era una figura destacada en la música popular de la época, Jim Brown, quien se estaba forjando una gran carrera en la NFL,llena de récords, y quien luego se convertiría en un actor reconocido, y Malcolm X, el famoso activista de los derechos civiles que estaba en una coyuntura complicada mientras decidía su separación de la Nación del Islam, la iglesia a la que se había adherido mientras estaba en prisión, a sus 25 años.  Estas 4 figuras gigantes que representaban a los afroamericanos de la época, tienen una noche de reflexiones y acusaciones sobre la pureza de sus principios y acciones.

Basada en una obra teatral, este debut de Regina King como directora nos muestra un manejo magistral de los tiempos y de la narrativa, así como una sensacional colección de actuaciones, sobre todo de Kingsley Ben Adir en el papel del atribulado Malcolm X, y Leslie Odom Jr en una gran actuación como Sam Cooke. 

Es entonces una película interesantísima para comprender la intensidad de la época y de las situaciones que atravesaban los personajes, tan reales como cualquiera. 

No hay gran acción, pero hay intercambios de diálogo que son brillantes, y que se entregan a la audiencia de forma simple y directa. Jamás se siente que sea una película larguísima o que trate de evangelizar sobre los personajes, que son mostrados en toda su humanidad. 

Creo seriamente que esta película no ganará los premios a los que se le nominará, pero sin ninguna duda, será  sus nominaciones al Oscar un reconocimiento para el gran trabajo de King en su debut. Véanla ya, disponible en Amazon Prime.

Posibles nominaciones: Mejor Película, Mejor Dirección, Actor de Reparto, Guión Adaptado y Canción. 

One night in Miami: 7.5/10.

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Pixie: clásico cine de gangsters en clave de comedia

 Hacer cine negro en clave de comedia es todo un arte, y hacerlo de forma independiente, ambientada en la época actual, y combinar risa con tantas balas como las que se disparan en John Wick en cualquiera de sus iteraciones, es todo un reto. 

Pixie, con todo y sus falencias que no son pocas, logra darnos un buen rato de entretenimiento, más que todo por la increíble presencia cómica y dramática de su protagonista. 

Olivia Cooke es Pixie, la hija adoptiva de un gangster de una pequeña ciudad irlandesa en la que los negocios de drogas se llevan de la mano con la iglesia. 

Las secuencias de acción son intensamente divertidas, así como los momentos de tensión en los que sabés que todo al final saldrá bien. Todo funciona únicamente por la sensación de diversión constante que hay en la historia, más que por la mediocre narración. Esta sencillamente no es una película que ganará premios, definitivamente. Pero es una película fácil de ver y de disfrutar. 

La historia es sencilla, Pixie decide huir de su pueblo dejando atrás a su familia de gangsters, haciéndoles una estafa, para lo cuál se une a un par de amigos, uno de los cuales busca ser su pareja. De ahí en adelante todo se desenreda en una vorágine de sangre, muerte, y muchas secuencias hilarantes. El villano es un sacerdote narco interpretado por Alec Baldwin, qué más pueden esperar?

Sin demasiados spoilers, el trío de protagonistas casi, casi logra su objetivo. Hay traiciones, manipulaciones, estafas, y la comedia más negra que pueden esperar. 

En fin, recomiendo Pixie, que aunque no es perfecta, es totalmente disfrutable. Olivia Cooke es una estrella de pleno derecho.

Pixie: 6.5/10

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Saint Maud, el terror que llevamos dentro

¿Hasta qué nivel es un problema la obsesión con la búsqueda de la pureza mediante la religión?

Esa parece ser la premisa básica sobre la que se contruye este estéticamente placentero filme de terror psicólogico. 

La temática no es tan compleja como aparenta, puesto que básicamente conocemos al personaje protagónico, Maud, la joven que trabaja cuidando de forma privada a enfermos terminales, mientras su fanatismo religioso interiorizado, como una forma de expiar viejas culpas, la obliga a buscar no solo cuidar de las personas sino de sus almas. 

En uno de los debuts más interesantes de los últimos años, Rose Glass presenta de forma bella y cuidadosa, el costo que mentalmente puede tomar en la gente sus creencias y su disociación con la realidad. 

Ciertamente hay temas que no acaban de funcionar, como el lentísimo hilo narrativo y los momentos que parecen no terminar de encajar, como la amiga que se reencuentra con ella, y el momento de retornar a casa de Amanda.

La actuación de Morfydd Clark es sensacional, con esa mezcla de inocencia y de fanatismo religioso, mediante el que se esconde un nido de arrepentimientos sobre su pasado, y su fantasía de hablar directamente con dios. Su rango como actriz es maravilloso, conocemos su amor, su dolor, su remordimiento, su pena y su búsqueda por el extasis religioso. 

Es la actuación junto al siniestro estilo de la musicalización, y el apropiado uso de locaciones de la película lo que la eleva más allá de sus fallas en la lentitud de la narrativa y de sus vacíos de guión, que no son precisamente trascendentales para comprender el objetivo de la película, contar una historia de arrepentimientos y búsqueda de redención, de una forma terrorífica.

Saint Maud es uno más de los filmes producidos por A24 que demuestran cuán en forma se encuentran como productora de películas que se clavan en tu psique y te hacen pensar, mientras te transmiten imágenes aterradoras y preciosas por igual, lo que queda claro con la maravillosa secuencia final.

Saint Maud: 7/10.

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Time, una historia de lucha y consecuencias

Cada acto humano tiene consecuencias, y esa claridad es lo que nos permite discernir nuestros actos. Esta historia es sobre las consecuencias de nuestros actos, y cuanto cuesta tratar siquiera de revertir el error, y todo el daño que ocasiona en los demás. 

En Time, el documental en cuestión, se nos presenta la vida de Fox Rich, una joven emprendedora que ha dedicado alrededor de 20 años en su lucha para liberar a su esposo, Rob Rich, condenado a 60 años de prisión por un robo que ambos cometieron en un momento de crisis económica en el que intentaban salir a flote con un negocio que estaba sucumbiendo. 

Ese error, que probablemente le suene circunstancial a muchos, ocasionó una vorágine de cambios, desde la lucha por sobrevivir de una madre y sus hijos, hasta convertirse en activista y emprendedora exitosa. 

Si hay algo que siempre le resta puntos para un documental, es cuando claramente cuenta solo una versión de la historia. Y lastimosamente, este es el caso de Time, en que si, te cuentan las vicisitudes de una familia intentando salir adelante y buscar un espacio para el perdón y liberación del padre, pero falla en mostrar el lado de las investigaciones, los antecedentes de violencia y la poca disposición a aceptar responsabilidades. 

Lo positivo, es que entre todo lo que si se muestra, está la unidad en el dolor, la belleza de la búsqueda de estar juntos, y como el sistema carcelario influye en la vida de muchas más personas de lo que parece. Esta es una historia con un resultado positivo, pero el sistema carcelario, con una predisposición a veces de clase, a veces racista, influye en las vidas de las familias de los convictos, muchas veces de forma decisiva, perpetuando al mismo sistema. 

En materia de storytelling, el director consigue hilar de forma profunda las consecuencias de sus actos en la vida de la familia, utilizando imágenes íntimas, en un relato de amor y perdón. 

Definitivamente lo importante es el mensaje, no rendirse, seguir. Y es ese mensaje el que hace válido este documental, aún cuando esté tan cargado hacia un solo lado. Véanlo en Amazon. Posible nominación al Oscar a mejor Documental.

Time: 7/10. 

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De naturaleza Imperdonable

Vivir en sociedades como la nuestra te vuelve duro. Sobrevivir te vuelve duro. Es una exigencia, enfrentar nuestros más oscuros secretos, nuestros más dolorosos recuerdos,vivencias y cotidianedades, con la reacción violenta que se construye luego de haberlo soportado todo, de haberlo sobrevivido todo. Marlen Viñayo, consigue adentrarse en uno de esos espacios que concentra mucho de lo que representa nuestras sociedades, y lo hace sin aferrarse al dolor, sino más bien poniendo frente a nuestros ojos nuestras dualidades, y poniendo a prueba nuestros preconceptos más duros. 

Imperdonable, que ha hecho ya un bastante fructifero recorrido en el circuito de festivales de documentales alrededor del mundo, consiguiendo la atención incluso del ganador del Oscar, Barry Jenkins,es precisamente una muestra directa y a la yugular, de nuestra realidad compleja y contradictoria. 

Este documental de poco más de media hora, se destaca precisamente por lo que insiste en mostrar, más que su estructura y su realización técnica, un compendio de temas que enmarcan de forma fascinante lo que nos tiene en este embrollo social que a veces puede parecer infinito y agotador.

En solo 35 minutos, conocemos la historia de privados de libertad, condenados por fechorías gravísimas ante la sociedad, que se sienten tan o más juzgados por su orientación sexual que por sus múltiples crímenes. Y es que Viñayo jamás le huye a mostrar la naturaleza violenta de los protagonistas, es más desde los primeros compases conocemos los crímenes narrados directamente por ellos, en una guerra informal en la que tomaron parte como fruto de una sociedad resquebrajada y excluyente, en la cual la pandilla pareció ser una de sus pocas vías de escape, un escape que saben, les trajo un precio a veces impagable, y jamás el documental intenta justificar sus actos. 

Los seres humanos somos complejos, y eso no es ninguna novedad; La novedad es que los preconceptos de seres sin sentimientos, a los que la sociedad quisiera encerrar en una isla y lanzarles una bomba atómica bajo la premisa de "Muerto el perro se acabó la rabia", todo ese preconcepto, se llena de aristas que no son comunes para el espectador. El amor, la ternura, el miedo, la necesidad de ser libres, para ellos,por ellos,ahí, siempre presos, pero libres de expresarse.

Luego tenemos la temática de la visión religiosa, en la que nuestras sociedades conservadoras han implantado una visión dogmática de lo que debemos sentir. Esa parte honestamente me quebró. ¿Cómo podés sentir miedo que el dios en que creés no te va a aceptar por quien has decidido amar?  Ser homosexual, tener su decisión ante el mundo, es algo que ni siquiera sus familias, las que los aman a pesar de su involucramiento en crímenes atroces, jamás aceptarían. 

En un fragmento, el pastor de la iglesia cristiana les dice a medio culto, que dios les dará una nueva oportunidad, que los limpiará, que solo deben creer, dejar de lado sus pecados y arrepentirse seriamente. Pero, ¿en serio nuestra sociedad les perdonará sus pecados?, ¿En serio tendrán una nueva oportunidad?

Este documental, me ha dejado profundamente triste. Es una experiencia que quizás no resulte reveladora,y que a mucha gente le moleste porque humaniza a quienes socialmente dicen que no deberían humanizar. Y eso habla mal de una sociedad que está repleta de culpas y escasa hasta el cansancio de perdón, de sanar mentalmente. 

En serio espero que en las próximas semanas, puesto que ya se está votando en la academia, este documental esté seleccionado en la lista corta y luego entre en la lista de nominados al Oscar, porque es apabullante el efecto de este espejo de nuestra sociedad, con sus matices, dolores y odios, en la comprensión de lo que nos hemos convertido. 

Imperdonable:8.5/10

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