sábado, 12 de junio de 2021

Tengo miedo, torero.



El cine funciona más cuando logra sintetizar momentos, sensaciones y personajes que los trascienden. El cine latinoamericano busca normalmente acoplarse a esos puntos para sobresalir, ahí donde los millonarios presupuestos no llegan. Con Tengo miedo torero, lo que podría ser el testamento del inmenso talento de Pedro Lemebel, se vuelve un emotivo y honesto viaje en el tiempo a la década de los 80 en el Chile bajo la dictadura de Pinochet, en un momento en que el contexto socio político exigía un compromiso inmenso, y de la misma forma un compromiso interno, con la persona que sos y lo que sentís. 


Alfredo Castro hace un papel enorme como el protagónico inesperado, que se ve envuelto en un dilema político-amoroso, que realmente cuándo no es la misma cosa? De esta forma, conocemos la vida y el contexto social en que la desarrolla el homosexual marginado por la sociedad, y utilizado por la gente con poder. Y lo vemos participar de uno de los momentos más críticos dentro de los años finales de la dictadura.

Cuando los personajes son tan fuertes e importantes, mucho del tema visual pasa desapercibido, y eso solo refuerza la portentosa dirección y la fina adaptación de la novela de Lemebel. Aunque hay segmentos que son ignorados para potenciar el retrato íntimo de los personajes, no le resta la inmersión en la coyuntura chilena nunca. 



El diseño de producción logra mostrar la forma de vida de la protagonista, y sus penurias, y sin embargo siempre es un personaje lleno de dignidad y amor. 

Desde la primera escena te logran atrapar y contextualizar al personaje. 

Como un excelente filme de contenido social, puedo recomendar Tengo miedo torero, de Rodrigo Sepúlveda, una película en que lo inesperado lleva a lo urgente, y donde el amor se esconde en el compromiso. 

Tengo miedo torero: 7/10

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miércoles, 9 de junio de 2021

Cruella, y la reimaginación del mal

 Disney tiene ya varios años de estar intentando producir películas sobre personajes de sus producciones animadas más conocidas desde perspectivas un poco más cercanas, adaptándolas al live action, con resultados, en general, bastante ordinarios. Para mí, todo eso acaba con la reimaginación del personaje de Cruella, en el más reciente de los proyectos que estrenaron. 

Lo que fracasó en El Rey León por la falta de espíritu, lo que fracasó en Beauty and the Beast por la falta de profundidad, y lo que apenas lograron por asomo en The Jungle Book, funciona de manera milimétricamente coordinada en el estilo propio de Cruella. 

Al fantástico trabajo de fotografía, de diseño de producción, y de vestuario, se le debe sumar una perfecta actuación de la pareja de Emmas, ambas maravillosas en sus respectivos papeles, acorde a lo que deberían mostrar. 



Definitivamente es una película que recomiendo, más allá de lo que podamos hablar en contrario, como el horrendo trabajo de CGI en los perros dálmata, y de las críticas por la mezcla de Devil Wears Prada y Joker que le podría resultar a cualquiera. Y es que Emma Stone hace un extraordinario papel con un personaje que era previamente unidimensional, y le da intensidad, volviéndose casi un misterioso Banksy, una activista de la moda, que va contra el canon de forma pública, aunque en privado tenga su propio plan de venganza. 



Los personajes están bien hilvanados, la historia se desarolla de forma sencilla y cautivante, y las motivaciones quedan claras. Por más innecesario que resulte humanizar a villanos que siempre hemos creído a ciencia cierta que son malvados porque así es su naturaleza, Cruella logra rescatar y justificar la maldad que desarrollará Cruella. Seguramente en una etapa intermedia entre esta y la pasada iteración del personaje. 

Veo fácilmente a esta película con un par de nominaciones al Oscar el próximo año, entre ellas Diseño de Vestuario, Diseño de Producción, y Canción Original. 

Cruella, disponible en Disney +: 8/10


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domingo, 9 de mayo de 2021

Preparations to be together for an unknown period of time (2020)

 El cine húngaro hace uso de la ambientación para contar las historias, que son mucho más complejas e interiores de lo que parecen. Preparations to be together for an unknown period of time no es la excepción. 

La selección húngara para los Oscar 2020-2021, que también partició en la fantástica White God, de Kornel Mundrukzo, quien este año se quedó a las puertas de nominaciones al Oscar pór su producción para Netflix "Pieces of a Woman", cumple con una cerebral puesta en escena y una gestión agobiante de la narración, que nos va llevando de la frustración hasta un climax que, si bien es confuso, funciona y deja todo en el momento adecuado. 

Preparations to be together for an unknown period of time, es la historia de Marta, una neurocirujana que viaja desde los Estados Unidos a cumplir con el acuerdo que hizo con un extraño al que vio una sola vez en una convención, y del que se enamoró, lo que la hace volver a Hungría a buscarlo. Todo va bien, lo ubica y encuentra el momento del reencuentro. Pero él le dice que no la conoce, que nunca la ha visto en su vida. 



Poco a poco nos vamos adentrando en la obsesión de Marta por Janoz, y como eso trastoca su realidad, su percepción incluso de sí misma, mientras nos unimos en su búsqueda de respuestas. 

Aunque no es la mejor versión del thriller psicológico, las actuaciones y la tensión que genera la ambientación aunada al ritmo con que se desarrolla la historia logra mantenernos atentos a su conclusión.

Lili Horvat, la directora de esta película, es un talento a tomar en cuenta en el futuro cercano. 

Lo que mejor funciona, es la representación de la complejidad de la mente y la búsqueda constante de respuestas, corporizada en el personaje de Marta, que llega incluso a dudar de sus percepciones, de ella misma. 



Podría mejorar si se condensara la historia un poco o si los giros en la trama fueran mucho más honestos y justificados. Sin embargo, es un refrescante producto europeo, siempre a la vanguardia en el cine actual. 

Puntos extra para la secuencia del extraño juego similar a un ritual de apareamiento entre Marta y Janoz.

Preparations to be together for an unknown period of time:  7/10.

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sábado, 6 de marzo de 2021

El Agente Topo contra la soledad

 El cine latinoamericano sigue en forma, y con esta producción, el cine chileno aspira a dos categorías en los Oscar, Documental y Película Internacional. Y es que es muy latinoamericana la situación, totalmente representativa de nuestras sociedades y su trato hacia el adulto mayor. 



Aunque su estilo de filmación deja claro que no es un documental en el purismo del concepto, dado que utiliza reglas de ficción, El Agente Topo es un bello ensayo sobre la importancia de mantener nuestras memorias y raíces vivas. y, ¿qué es más vivo que la familia?

En esta historia recién estrenada en Netflix, Maite Alberdi nos presenta la historia de don Sergio,un octogenario contratado por una agencia de investigación privada con el objetivo de infiltrarse en un asilo para constatar las condiciones de vida y socialización de una de las internas, dadas las sospechas de la hija de la interna, de que su madre es víctima de maltratos. 

De esa forma, lo que inicia siendo una investigación profunda sobre las atenciones del hogar, acaba volviéndose una oda hacia el ocaso de la vida, hacia el rotundo efecto que tiene en los ancianos llegar a esa etapa de sus vidas, abandonados y en silencio. 

Poco a poco vamos conociendo a las personas que viven dentro del asilo, y no solo conociéndolos, humanizándolos, empatizando, conociendo sus visiones, sus vidas, sus necesidades y su soledad, tan compartida como estoicamente vivida individualmente. 



No lo voy a negar, lloré varias veces mientras veía este documental,porque se me hizo duro, cruel de ver, el estado en que alguien puede llegar al final de su vida, solo y a veces hasta sin memoria. 

Luego,casi al final cuando Sergio ha culminado su misión, y se despide de quienes fueron sus  compañeros durante 3 meses, me quebré cuando una interna le dice que es su amigo, que ella no tiene amigos,y ahora al fin tiene uno. Me dio una tristeza que aún escribiendo estas pequeñas líneas no he logrado superar. 

Es entonces este documental, no solo una investigación, ni solo una denuncia, sino también un grito que intenta salir, una voz que oculta entre el olvido dice: Estamos aquí, seguimos acá. 

Es este un film emocionalmente imprescindible, en que la línea entre ficción o un documental teledirigido se vuelve casi invisible, y que, a pesar de las dudas que llegue a generar sobre la ética de la grabación, ataca con una fuerza tan necesaria como incontestable. 

El Agente Topo: 8.5/10.

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viernes, 5 de marzo de 2021

The US vs Billie Holiday, o el ocaso de los ídolos

 Las películas biográficas pueden y muchas veces corren el riesgo, de edulcorar las vidas de los objetos de su estudio, y mostrar como superaron todo para llegar al éxito infinito. Esta película toma un camino distinto. 



Billie Holiday es una icónica artista de jazz, probablemente de las más famosas de la historia, y de las más polémicas, por lo que reconstruir una fase de su vida tan importante se antoja un trabajo titánico para el que no cualquiera está listo. y más aún tomando en cuenta su trágico final. 

Andra Day consigue diluir su persona en el papel de Billie Holiday, al que también entrega su voz y una brillante actuación en la que la fuerza del personaje cubre toda la pantalla, llenándola de autenticidad, naturalidad, y de una fuerza prodigiosa. 

Ahí donde la actuación de Day es un triunfo total, también es donde la película en general muestra sus variadas falencias, entre ellas la pérdida del enfoque. Comienza siendo una historia de reivindicación del talento afroamericano, y se desvía hacia la superación de los vicios, para concluir en la tragedia.Pero, ¿acaso no es eso la vida? un vaivén constante entre el éxito y la derrota? 



Lee Daniels vuelve a tomar una historia interesantísima,y se queda al borde de dar un producto espectacular, para dar una historia interesante que se siente a medio cocer, tanto por las fallas en su narrativa como por la falta de un estilo definido en la producción. 

Es pues, la honestidad y crudeza emocional en la interpretación de Andra Day, la que hace que esta película valga la pena. 

No se dejen llevar por el desordenado relato, sin poner sus ojos,y oídos, ante la portentosa actuación digna de nominaciones a cualquier premio, y a la cuidadosa producción artística de esta película, llena de matices sacrificados, solo recuperados por Day.

The United States vs Billie Holiday: 6.5/10.


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lunes, 22 de febrero de 2021

Little Fish, nuestras memorias, nuestro amor

 El cine de ciencia ficción suele ser lo más futurista y moderno posible para mostrarnos a veces lo oscuro de la teconología, las consecuencias éticas, etc. Pero en algunas ocasiones, entran en temas que van más hacia adentro, hacia la mente y emociones de sus personajes. Little Fish es una de esas ocasiones. 

Hace más de 15 años, Eternal sunshine of the spotless mind nos mostró la posibilidad de elegir borrar memorias para poder seguir adelante con tu vida. Olvidabas todo lo que te causó dolor, aún sin pensar si la otra persona querrá o no olvidarte. Era un drama romántico con tintes de ciencia ficción. Esta vez la pregunta que se nos hace es, ¿qué tal si no es un tema de decisión? , ¿qué tal si el olvido es una condición médica ante la cual no es posible hacer nada? ¿cómo enfrentarlo?

Little Fish responde a todas las preguntas anteriores con una historia de amor directa, sensible sin ser cursi, emocionalmente abrumadora, y que rehuye de los clichés para mostrar la angustia de conocer que el amor, a veces no será suficiente. 



Con otra vibrante actuación de Olivia Cooke, quien en su papel de Emma intenta hacer todo lo posible por ayudar a su esposo, Jude, a mantener su memoria lo más intacta posible, porque, como dice Emma, "Cómo puedo pensar en nuestro futuro si debo vivir reconstruyendo nuestro pasado". Es dolorosa, enternecedora en muchos momentos. Las actuaciones de ella y de Jack O Connel como Jude, son brillantes, e incluso las secundarias, de Soko y Raúl Castillo, la pareja de amigos de Jude, que también pasan por la misma situación, son dolorosamente necesarias. 

El uso de los flashbacks, los engaños de la edición para convencerte de la linealidad de la información que te comparten es genial. Todo se cierra de una forma impresionante. 



Esta es una película que debería tener la máxima repercusión posible. 

En tiempos de una pandemia que afecta mortalmente a tantisima gente, la sola idea de una pandemia de pérdida de memorias lo hace todo atronadoramente urgente. Te replanteás lo válido de seguir, la necesidad de la fuerza. 

Con una banda sonora preciosa, Little Fish consigue ser un retrato amargo de la impermanencia de la vida, de las emociones, que rebasa cualquier lentitud en su narración con las sensaciones que te provoca. 

Little Fish: 8.5/10. 


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domingo, 21 de febrero de 2021

Dear Comrades, la responsabilidad de la lucha

 El cine ruso suele ser contemplativo y al mismo tiempo visceral, y esta película, en la lista corta para el Oscar 2021 a Mejor Película Internacional, parece llenar ambas casillas de forma mesurada y emocionalmente contundente. 



Dear Comrades nos habla de la conciencia colectiva ante el poder, y de la fuerza de la perseverancia,cuando es necesario poco a poco dejar ir, en el entramado político de la coyuntura soviética de los sesentas. 

Filmada en un hermoso blanco y negro que no hace más que incrementar el contraste artístico con la narración que tan intervinculada está, la historia nos habla de puntos intensos de la historia de la Unión Soviética, y de las protestas y la forma institucionalizada de acallar críticas.

 Lyudmila es una burócrata y férrea comunista de una pequeña ciudad al sur de la Unión Soviética en la cual está instalada una fábrica de materia prima para transportes eléctricos, en una coyuntura en que, recién saliendo del totalitarismo más macabro y mezquino de Stalin, la economía soviética mostraba señales de afectar a la población, sobre todo en el aumento de los precios de los alimentos, que, aunado a los incrementos en la producción requerida a los empleados de la fábrica, generó suficiente descontento para protestas populares durante semanas. Svetka, la hija de Lyudmila, es una joven que, si bien cree en el ideal comunista, tiene muchas críticas a la forma en que Stalin dirigió el estado, y ahora, bajo el mando de Kruschev, confía que el ideal proletario siempre puede manifestarse libremente para obtener lo que necesita, y, de esa manera, se une a las protestas. 






Cuando el gobierno se ve sobrepasado por la ira popular, llega la ayuda del gobierno central, mediante la cual se desata un infierno para la pequeña ciudad, que pone en riesgo a todos, y genera desaparecidos, que, casi significan una sola cosa. 

La búsqueda desesperada por Svetka, sin temor a correr graves consecuencias en su carrera dentro de la burocracia gubernamental, es la base de esta historia, y como,poco a poco, Lyudmila comienza a ver más allá, y a responsabilizar su propia visión burócrata, y lo peligroso que es para aquellos que se expresan libremente. 

En una temática que quizás de forma somera recuerde el reciente hit de HBO, Chernobil, Dear Comrades habla sobre hasta donde está dispuesto a llegar un gobierno para encubrir sus deficiencias, que son naturales y que tienen formas de solucionarse, sin llegar a medios violentos o de ineptitud.

Camaradas es un término hasta sublime en los ideales, por lo que la secuencia en que Lyudmila canta su canción sobre los camaradas, se vuelve una forma de aceptación personal, de la estructura vertical de poder que ha ocasionado el problema en general. 

Poderosa actuación de Julia Vysotskaya, en su papel de Lyudmila, que nos da una mirada precautoria a lo que puede ocasionar el poder, y a la aceptación de ser un engranaje más en una maquinaria bien engrasada y que toma la decisión de no aceptar cuestionamientos. 

"If I don't believe in communism, in what am I going to believe?"

Andrei Konchalovsky hace un gran trabajo y es claramente, toda una institución en el cine europeo, y quien debería tener todo el reconocimiento posible. 

Dear Comrades, recomendada completamente, y muy posiblemente nominada al Oscar el próximo mes. 8/10.

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lunes, 15 de febrero de 2021

Judas and the black messiah, una historia de lucha y traición

 Durante la era de la lucha de los movimientos por los derechos civiles, que aglutinó a grandes colectivos afroamericanos que buscaban el reconocimiento completo de sus derechos, surgieron diversos líderes, entre ellos Martin Luther King, Malcolm X, Bobby Seale, y Fre Hampton. Curiosamente, 2020 es el año en que se han mostrado aspectos de las vidas de cada uno de ellos en diferentes películas. King, en el documental MLK /FBI, Malcolm X en One night in Miami, Bobby Seale en The Trial of the Chicago 7, y esta vez, en un pequeño aproximamiento de biopic, Fred Hampton, el líder del capítulo de Chicago de los Black Panthers.

Pero esta no es una historia de lucha simplemente, sino de infiltración y traición. 

En esta historia, dirigida por Shaka King, el nominado al Oscar Daniel Kaluuya interpreta a Hampton, demostrando la entereza y convicción que lo hacían formar parte de la lucha de las juventudes afroamericanas por un futuro, un mundo mejor para los suyos,la lucha antisistema, anti capitalismo y anti estado por parte de los jóvenes. 



La trama de esta película, que no toma en cuenta más que una fracción de la vida de Hampton, es la conspiración sencilla en que el FBI buscaba aniquilar todo liderazgo de los movimientos sociales, de una forma u otra, y como para ello se valieron de infiltrados dentro de los mismos movimientos sociales. 

Con actuaciones sensacionales de Daniel Kaluuya, que tendrá una segura nominación y estará entre los más cercanos candidatos a ganar el Oscar, y de Lakeith Stanfield, hoy por hoy uno de los mejores actores afroamericanos, y uno de los más menospreciados, y que también podría reusltar nominado, esta película confluye de forma exquisita entre la importancia de la acción y las emociones de los personajes. 



Hampton es una figura que puede ser fácilmente radicalizada, pero la película consigue hacerlo lo más cercano posible y empatizar con él, de modo que la historia va tomando tintes dramáticos. Evidentemente está basada en hechos reales. 

Estas es en esencia una de esas películas en que su argumento se convierte en un electrizante relato de la lucha contra la injusticia y los peligros que esto acarrea. Provocativa, trágica y al mismo tiempo necesaria. 

Judas and the black messiah: 8/10. 

Posibles nominaciones al Oscar: Película, Actor de Reparto, Fotografía, Canción y Montaje. 

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domingo, 14 de febrero de 2021

One night in Miami, el épico encuentro de leyendas

 En una fantástica e inolvidable noche de Febrero de 1964, en una de las eras más convulsas de los Estados Unidos, cuando la lucha por los derechos civiles, y la oposición contra la participación en el conflicto de Vietnam eran lo que estaba en boca de todo el mundo, y que repercutía en el día a día de una sociedad cansada de sus grupos de poder y de la exclusión, 4 leyendas, que casi no sabían que lo eran, se reunieron para una charla amena que en teoría sería una celebración.



Las 4 leyendas eran Cassius Clay, en la noche que venció a Sonny Liston y se convirtió en Campeón Mundial de Pesos Pesados, Sam Cooke, quien ya era una figura destacada en la música popular de la época, Jim Brown, quien se estaba forjando una gran carrera en la NFL,llena de récords, y quien luego se convertiría en un actor reconocido, y Malcolm X, el famoso activista de los derechos civiles que estaba en una coyuntura complicada mientras decidía su separación de la Nación del Islam, la iglesia a la que se había adherido mientras estaba en prisión, a sus 25 años.  Estas 4 figuras gigantes que representaban a los afroamericanos de la época, tienen una noche de reflexiones y acusaciones sobre la pureza de sus principios y acciones.

Basada en una obra teatral, este debut de Regina King como directora nos muestra un manejo magistral de los tiempos y de la narrativa, así como una sensacional colección de actuaciones, sobre todo de Kingsley Ben Adir en el papel del atribulado Malcolm X, y Leslie Odom Jr en una gran actuación como Sam Cooke. 



Es entonces una película interesantísima para comprender la intensidad de la época y de las situaciones que atravesaban los personajes, tan reales como cualquiera. 

No hay gran acción, pero hay intercambios de diálogo que son brillantes, y que se entregan a la audiencia de forma simple y directa. Jamás se siente que sea una película larguísima o que trate de evangelizar sobre los personajes, que son mostrados en toda su humanidad. 

Creo seriamente que esta película no ganará los premios a los que se le nominará, pero sin ninguna duda, será  sus nominaciones al Oscar un reconocimiento para el gran trabajo de King en su debut. Véanla ya, disponible en Amazon Prime.

Posibles nominaciones: Mejor Película, Mejor Dirección, Actor de Reparto, Guión Adaptado y Canción. 

One night in Miami: 7.5/10.


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sábado, 13 de febrero de 2021

Pixie: clásico cine de gangsters en clave de comedia

 Hacer cine negro en clave de comedia es todo un arte, y hacerlo de forma independiente, ambientada en la época actual, y combinar risa con tantas balas como las que se disparan en John Wick en cualquiera de sus iteraciones, es todo un reto. 

Pixie, con todo y sus falencias que no son pocas, logra darnos un buen rato de entretenimiento, más que todo por la increíble presencia cómica y dramática de su protagonista. 


Olivia Cooke es Pixie, la hija adoptiva de un gangster de una pequeña ciudad irlandesa en la que los negocios de drogas se llevan de la mano con la iglesia. 

Las secuencias de acción son intensamente divertidas, así como los momentos de tensión en los que sabés que todo al final saldrá bien. Todo funciona únicamente por la sensación de diversión constante que hay en la historia, más que por la mediocre narración. Esta sencillamente no es una película que ganará premios, definitivamente. Pero es una película fácil de ver y de disfrutar. 

La historia es sencilla, Pixie decide huir de su pueblo dejando atrás a su familia de gangsters, haciéndoles una estafa, para lo cuál se une a un par de amigos, uno de los cuales busca ser su pareja. De ahí en adelante todo se desenreda en una vorágine de sangre, muerte, y muchas secuencias hilarantes. El villano es un sacerdote narco interpretado por Alec Baldwin, qué más pueden esperar?



Sin demasiados spoilers, el trío de protagonistas casi, casi logra su objetivo. Hay traiciones, manipulaciones, estafas, y la comedia más negra que pueden esperar. 

En fin, recomiendo Pixie, que aunque no es perfecta, es totalmente disfrutable. Olivia Cooke es una estrella de pleno derecho.

Pixie: 6.5/10

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Tengo miedo, torero.

El cine funciona más cuando logra sintetizar momentos, sensaciones y personajes que los trascienden. El cine latinoamericano busca normalmen...